experiential marketing eBay auctions you should keep an eye on:

Experiential Marketing: How to Get Customers to Sense, Feel, Think, Act, R by S

$6.98
End Date: Tuesday Feb-19-2019 20:03:14 PST
Buy It Now for only: $6.98
Buy It Now | Add to watch list

Experiential Marketing : Secrets, Strategies, and Success Stories from the Wo...
$20.19
End Date: Monday Feb-4-2019 21:04:47 PST
Buy It Now for only: $20.19
Buy It Now | Add to watch list

Experiential Marketing: Secrets, Strategies, and Success Stories from the World'
$16.54
End Date: Saturday Feb-16-2019 16:05:59 PST
Buy It Now for only: $16.54
Buy It Now | Add to watch list

Technorati Tags: , , , ,

Airone – Via Giambellino, Milano 1994

A few nice market targeting images I found:

Airone – Via Giambellino, Milano 1994
market targeting
Image by Airone THP TNB
Just a quick one near the old market. I remember I painted it with these small cans

Technorati Tags: , , ,

Some recent marketing web auctions on eBay:

Strategie Und Marketing Im Web 2.0 : Handbuch Fur Steuerberater Und Wirtschaf...

$59.98
End Date: Saturday Feb-2-2019 22:41:07 PST
Buy It Now for only: $59.98
Buy It Now | Add to watch list

Web Marketing for the Music Business, Paperback by Hutchison, Tom, ISBN 02408...
$29.93
End Date: Monday Feb-11-2019 2:42:24 PST
Buy It Now for only: $29.93
Buy It Now | Add to watch list

Web Marketing All-in-One Desk Reference For Dummies-ExLibrary
$3.74
End Date: Friday Feb-15-2019 9:49:13 PST
Buy It Now for only: $3.74
Buy It Now | Add to watch list

Technorati Tags: , , , , , , ,

Some recent market targeting auctions on eBay:

Handbook of Market Segmentation : Strategic Targeting for Business and Techno...

$59.94
End Date: Saturday Feb-9-2019 19:12:13 PST
Buy It Now for only: $59.94
Buy It Now | Add to watch list

New Set 10 Target Market String Lights Edison Bulbs for Dorm Bedroom Patio Pool
$4.99 (0 Bids)
End Date: Tuesday Jan-22-2019 12:08:15 PST
Bid now | Add to watch list

Market Bazaar Blue Vase 9 1/4" Tall Sold by Target
$17.99
End Date: Thursday Jan-24-2019 20:40:40 PST
Buy It Now for only: $17.99
Buy It Now | Add to watch list

Market Bazaar Large Wood Bowl Target
$21.45
End Date: Friday Feb-1-2019 18:52:03 PST
Buy It Now for only: $21.45
Buy It Now | Add to watch list

Technorati Tags: , , , , ,

Latest Experiential Marketing News

SMCBoston experiential marketing event
experiential marketing
Image by Ari Herzog

Technorati Tags: , , ,

Most popular Experiential Marketing auctions

experiential marketing eBay auctions you should keep an eye on:

Experience the Message : How Experiential Marketing Is Changing the Brand...

$26.32
End Date: Monday Feb-11-2019 10:24:36 PST
Buy It Now for only: $26.32
Buy It Now | Add to watch list

Experiential Marketing : Secrets, Strategies, and Success Stories from the...
$20.18
End Date: Tuesday Jan-22-2019 6:43:23 PST
Buy It Now for only: $20.18
Buy It Now | Add to watch list

Technorati Tags: , , , ,

Mediterranean diet.

A few nice marketing definition images I found:

Mediterranean diet.
marketing definition
Image by Neil. Moralee
Candid shot in the market in Valencia Spain.

The Mediterranean diet is a modern nutritional recommendation inspired by the traditional dietary patterns of Greece, Spain and Southern Italy. The principal aspects of this diet include proportionally high consumption of olive oil, legumes, unrefined cereals, fruits, and vegetables, moderate to high consumption of fish, moderate consumption of dairy products (mostly as cheese and yogurt), moderate wine consumption, and low consumption of meat and meat products.

On November 17, 2010, UNESCO recognized this diet pattern as an Intangible Cultural Heritage of Italy, Greece, Spain and Morocco.

Despite its name, this diet is not typical of all Mediterranean cuisine. In Northern Italy, for instance, lard and butter are commonly used in cooking, and olive oil is reserved for dressing salads and cooked vegetables. In both North Africa and the Middle East, sheep’s tail fat and rendered butter (samna) are the traditional staple fats, with some exceptions. Indeed, one researcher concludes: "It appears that currently there is insufficient material to give a proper definition of what the Mediterranean diet is or was in terms of well defined chemical compounds or even in terms of foods…. The all embracing term ‘Mediterranean diet’ should not be used in scientific literature…."

The most commonly understood version of the Mediterranean diet was presented, amongst others, by Dr Walter Willett of Harvard University’s School of Public Health from the mid-1990s on. Based on "food patterns typical of Crete, much of the rest of Greece, and southern Italy in the early 1960s", this diet, in addition to "regular physical activity," emphasizes "abundant plant foods, fresh fruit as the typical daily dessert, olive oil as the principal source of fat, dairy products (principally cheese and yogurt), and fish and poultry consumed in low to moderate amounts, zero to four eggs consumed weekly, red meat consumed in low amounts, and wine consumed in low to moderate amounts". Total fat in this diet is 25% to 35% of calories, with saturated fat at 8% or less of calories.

——————————-

Plain and simple… (I am a biochemist by training and have been fighting the flab for many years, then I listened to "over the sugar hill parts 1 & 2" by Steve Gibson and it all made sense. I lost 50Kg in 18 months) , give up sugar and carbohydrates eat about 900 calories of everything else, loose weight.
No magic, not fads, yes you are hungry (that’s your body telling you that you are loosing weight). When you reach your desired weight eat a bit more but don’t go back to the sugar and carbohydrates.

A link to "over the sugar hill".

www.youtube.com/watch?v=_vfK5U9qKaI

Aerial of Needham Market in Suffolk
marketing definition
Image by John D Fielding
Aerial of Needham Market in Suffolk

IMG_6574 Pablo Picasso. 1881-1973 Homme et femme. Tête. 1969 Aix en Provence. Musée Granet.
marketing definition
Image by jean louis mazieres
PICASSO. ART MODERNE. ART CONTEMPORAIN. ART MARCHAND. ART DES RUES

Pablo Picasso. 1881-1973
Homme et femme. Tête. 1969
Aix en Provence. Musée Granet.

Pablo Picasso (1881-1973) est un peintre exemplaire de l’Art Moderne (1830-1950 en dates grosses) et annonce remarquablement, quoique encore très discrètement, l’Art Contemporain qui s’impose à partir des années 1950 et suivantes.
Il est un génial découvreur, et même un accumulateur de Formes Nouvelles d’expression artistique.
On peut penser que l’histoire de l’art reconnaîtra cette richesse d’invention esthétique et le classera parmi les plus grands maîtres européens.
Picasso est actif à la fin d’une des époques les plus fastes de la peinture européenne (1815-1940). Une période de très grande diversité idéologique, et en conséquence d’affrontements terribles, mais qui est aussi une époque de création artistique intense et de recherches formelles, esthétiques, les plus diverses. Parmi ces recherches l’Art Abstrait auquel Picasso introduit.
Picasso est un artiste essentiellement figuratif, toujours très attaché au valeurs du Beau et du Sens dans la peinture. Mais il annonce cependant déjà certaines impasses, qui apparaissent nécessairement quand va s’installer un Système, un Art officiel, Académique et même un Art Sacré. A partir de la fin de la seconde guerre mondiale : l’Art Contemporain

L’Art Contemporain est un Système, un Art Officiel, Politiquement Correct, qui est le reflet des valeurs, ou des non-valeurs, les valeurs inversées, imposées par les élites de notre actuelle société occidentale.
De tous temps, de nos jours comme dans le passé, l’Art se décide dans les niveaux supérieurs des sociétés. L’idéologie démocratique n’ a absolument rien changé à ce fait. Au contraire.
L’Art contemporain officiel, celui des musées, est un drapeau distinctif et un vecteur idéologique. Cela n’est pas nouveau. Seule à changé l’idéologie en place dans la société européenne, et les valeurs qu’elle impose. Un changement que l’art reflète.
Le monde contemporain ne repose pas du tout sur les mêmes valeurs que l’Europe chrétienne (catholique et orthodoxe) qui a fait l’art européen de 500 à 1600.
Ces valeurs ont mis du temps à mourir en Europe, entre 1600 et 2000, au travers de deux étapes idéologiques essentielles : la Réforme et les Lumières.
Donc l’art européen ne peut pas être le même, mais le changement s’est fait lentement et même subrepticement.
En 1900, et même encore en 1940, l’Europe n’était pas encore entrée dans un autre monde, culturellement totalement différent. Mais en 2000 c’est totalement fait.
Un demi siècle, pendant lequel la démocratie libérale occidentale a mis en place son Art Sacré, qui est devenu omniprésent à partir de la seconde moitié du 20è siècle.
L’Art Contemporain est un art officiel qui véhicule, directement ou indirectement, certains des commandements principaux du catéchisme prêché par les élites actuelles : L’Évolution, L’Homme, le Matérialisme, l’Économie, la Richesse, La Science, La Technique, Le Progrès, La Démocratie, La Liberté, Les Droits, Le Changement, le Gouvernement Mondial. Mais aussi tout un ensemble complexe de messages, ésotériques, implicites, discrets, qui ne sont pas destinés au grand public, mais réservés à l’élite.
Plus encore que sous "l’Ancien Régime" les Élites de la Démocratie sont bien décidées à cultiver leur différence, et l’Art Contemporain est un des lieux privilégiés, un des clubs, où les élites "démocratiques" se retrouvent avec délice. L’Art Contemporain des grands musées d’état et du grand commerce international c’est l’art des Guidestones,construites aux USA en 1980.
Tout ceci n’est pas encore totalement en place à l’époque de la grande activité de Picasso.

Mais déjà l’Art Moderne, précisément avec Picasso, est exemplaire de ce qui paraît être une nouveauté, du moins à cette échelle: l’Art Marchandise. Une nouveauté qui va s’imposer totalement avec l’Art Contemporain.
Tout le système de création de l’Art a été modifié par la révolution industrielle, l’idéologie matérialiste et la priorité à l’Economie et à la Richesse qui s’est installée en Occident au cours du 19è siècle.
L’art ne peut pas être le même quand les niveaux supérieurs d’une civilisation sont occupés par des banquiers et des grands marchands, assistés et servis par les idéologues, à la place des anciennes élites, beaucoup plus diversifiées. dans leurs origines et leurs valeurs.
Les élites européennes du passé étaient à la fois rivales et associées, affrontées et dialectiquement complémentaires :
Aristocratie foncière et guerrière. Ouverte au commerce aussi, dans certains pays européens (Italie, Pays Bas notamment).
Eglises (catholique et orthodoxe).
Bourgeoisie commerçante, plus ou moins frottée d’aristocratie selon les pays.
Haut Artisanat citadin, organisé en corporations et métiers, qu’il ne faut pas négliger car il était un des acteurs principaux du faire artistique.
Une diversité qui a été source d’une grande richesse culturelle.

Ce qui est tout à fait nouveau au cours de la période dite de l’Art Moderne c’est que l’Art ( peinture et sculpture) a commencé à devenir, de manière avouée, une marchandise.
L’Art contemporain est totalement conditionné par un marché très organisé, finalement très monolithique et parfaitement totalitaire dans ses valeurs, pour lequel les buts profitables sont tout à fait essentiels.
Ce n’était absolument pas le cas des mécènes des siècles précédents : aristocrates fonciers et guerriers, ploutocrates marchands, et Eglises, pour lesquels l’art n’était que très secondairement un placement financier. L’art, la peinture notamment, était pour eux un moyen de communication avec les peuples ou/et une dépense de prestige.
Il a certes toujours existé des marchands d’Art, dès l’Antiquité, mais ils ne décidaient pas des grandes orientations de l’Art de leur époque. Et certainement pas entre 500 et 1800.
Les marchands d’art étaient seulement des intermédiaires, et de temps en temps, ils faisaient des copies et des faux !
Le marchand d’art qui participe activement à la définition des orientations de l’art de son époque est une nouveauté apparue au cours du 19è siècle, à peu près à l’époque des impressionnistes, qui s’est répandue au début du 20è. Ils sont l’une des manifestations de la mercantilisation des valeurs de la société européenne.
Picasso, qui n’avait pas que les qualités d’un artiste, avait très bien compris et exploité ces deux réalités, la première ancienne, l’Art est idéologique, la seconde plus nouvelle, l’Art est marchandise, et l’artiste est à vendre.
Il faut compléter ce panorama très synthétique de l’ évolution récente de l’art de la peinture européenne puis occidentale, en mentionnant, juste pour mémoire ici, car cette considération n’a rien à voir avec Picasso, une autre nouveauté, plus récente : l’Art des rues. Un art apparu dans les années 1960 et suivantes, principalement à New York. Un art populaire d’origine, en marge, et non pas officiel et élitiste.
Cet art ne fait que commencer son histoire. En Europe il démarre dans les années 1990 de manière clandestine, dans les rues. Il se glisse entre les graffitis vandales et destructeurs. Il n’a vraiment conquis le terrain qu’au cour des années 2000. Les galeries de Flickr consacrées à cet art contemporain des rues notamment celle de meuh1246 nous montrent bien sa fulgurante progression durant les dix dernières années. Meuh explique très bien que les artistes débutent dans la clandestinité tolérée avant de se faire connaître et de bénéficier alors d’un double soutien public et privé. Le soutien public vient des pouvoirs locaux qui autorisent, encadrent et accompagnent le développement de cet art. Le soutien privé vient de galeries ou sociétés commerciales ou financières locales. C’est la grande différence avec l’art contemporain officiel qui est totalement encadré par les états, leurs fonctionnaires et par tout un univers commercial et financier à caractère non pas local ou régional, mais au moins national et surtout international. Ce qui explique bien pourquoi l’art des rues est bien plus proche du grand public tandis que l’art contemporain officiel est une machine très ésotérique totalement dépendant de cénacles "éclairés" se situant très au dessus des peuples. Précisons bien: ils se situent très au dessus des peuples pas du tout parce qu’ils sont plus "éclairés", comme ils le disent, et le croient en partie eux mêmes, mais parce qu’ils ont l’Argent et le Pouvoir.

PICASSO. MODERN ART. CONTEMPORARY ART. MERCHANT ART. ART OF THE STREETS

Pablo Picasso (1881-1973) is an exemplary painter of Modern Art (1830-1950 in big dates) and announces remarkably, although still very discreetly, the Contemporary Art which imposes itself from the years 1950 and following.
He is a brilliant discoverer, and even an accumulator of new forms of artistic expression.
One can think that the history of art will recognize this richness of aesthetic invention and classify it among the greatest European masters.
Picasso was active at the end of one of the most splendid eras of European painting (1815-1940). A period of great ideological diversity, and consequently of terrible confrontations, but which is also an era of intense artistic creation and of formal, aesthetic, and most diverse research. Among these researches the Abstract Art to which Picasso introduces.
Picasso is an essentially figurative artist, always very attached to the values of Beauty and Sense (Meaning) in painting. But it already announces certain impasses, which necessarily appear when a System, an Official Art, Academic, and even a Sacred Art will settle. From the end of the Second World War: Contemporary Art
Contemporary Art is a System, an Official, Politically Correct Art, which reflects the values, or the non-values, or the inverted values, imposed by the elites of our present Western society.
At all times, in our days as in the past, the Art is decided in the higher levels of society. The democratic ideology has absolutely nothing to do with this fact. On the contrary.
The Contemporary art, official art, that of museums, is a distinctive flag and an ideological vector. This is not new. Only changed the ideology in place in European society, and the values it imposes. A change that art reflects.
The contemporain world is not based at all on the same values as the Christian Europe (Catholic and Orthodox) which made the European art from 500 to 1600.
These values have taken a long time to die in Europe, between 1600 and 2000, through two essential ideological steps: the Reformation and the Enlightenment.
So European art can not be the same, but the change has taken place slowly and even surreptitiously.
In 1900, and even in 1940, Europe had not yet entered another world, culturally totally different. But in 2000 it is totally done.
A half century, during which the liberal Western democracy established its Sacred Art, which became ubiquitous from the second half of the 20th century.
Contemporary Art is an official art that carries, directly or indirectly, some of the main commandments of the catechism preached by the current elites: Evolution, Man, Materialism, Economy, Wealth, Science, Technology, Progress, Democracy , Freedom, Rights, Change, World Government. But also a whole complex of messages, esoteric, implicit, discrete, which are not intended for the general public but reserved for the elite.
Even more than under the "Ancien Régime", the Elites of Democracy are determined to cultivate their differences, and Contemporary Art is one of the privileged places, one of the clubs where the "democratic" elites find themselves with delight.
The contemporary art of the great state museums and the great international trade is the art of the Guidestones, built in the USA in 1980.
All this is not yet fully in place at the time of Picasso’s great activity.

But already Modern Art, precisely with Picasso, is exemplary of what appears to be a novelty, at least on this scale: the Art of Merchandise. A novelty that will impose itself totally with the Contemporary Art.
The whole system of creation of Art was modified by the industrial revolution, materialistic ideology and priority to Economy and Wealth that settled in the West during the 19th century.
Art can not be the same when the higher levels of a civilization are occupied by bankers and big merchants, assisted and served by the ideologists, instead of the old elites, who are much more diversified. In their origins and values.
The European elites of the past were at the same time rival and associated, confronted and dialectically complementary:
Land and warrior aristocracy. Also open to trade, in some European countries (Italy, the Netherlands in particular).
Churches (Catholic and Orthodox).
Trading bourgeoisie, more or less rubbed with the aristocracy, according to country.
Top urban craft, organized in corporations and trades, which should not be neglected because it was one of the main actors of the artistic.
A diversity that has been a source of great cultural richness.
What is quite new during the period known as Modern Art is that Art (painting and sculpture) has begun to become, in an avowed way, a commodity.
Contemporary art is totally conditioned by a highly organized market, ultimately very monolithic and perfectly totalitarian in its values, for which profitable goals are absolutely essential.
This was absolutely not the case for the patrons of the previous centuries: land and warriors aristocrats, merchant plutocrats, and churches, for whom art was only very secondarily a financial investment. Art, painting in particular, was for them a means of communication with peoples and / or an expense of prestige.
Art traders have always existed, since Antiquity, but they did not decide the main orientations of the Art of their time. And certainly not between 500 and 1800.
The merchants of art were only intermediaries, and from time to time they made copies and fakes!
The art dealer who actively participates in defining the orientations of the art of his time is a novelty that appeared in the 19th century, at about the time of the Impressionists, which spread at the beginning of the 20th century. They are one of the manifestations of the mercantilisation of the values of the European society.
Picasso, who had not, only the qualities of an artist, had very well understood and exploited these two realities, the first ancient, Art is ideological, the second newest, Art is merchandise, and the artist Is for sale.
It is necessary to complete this very synthetic panorama of the recent evolution of the art of European and then Western painting, mentioning, just for the record here, because this consideration has nothing to do with Picasso, another novelty, more recent: The Art of the Streets. An art appeared in the 1960s and later, mainly in New York. A folk art of origin, on the margin, and unofficial and non-elitist.
This art is only beginning its history. In Europe it starts in the 1990s in a clandestine way, in the streets. It slips between vandal and destructive graffiti. It did not really conquer the ground until the 2000s. The galleries of Flickr devoted to this contemporary street art, especially that of meuh1246 show us its dazzling progression during the last ten years. Meuh explains very well that the artists start in the clandestine tolerated before making themselves known and then benefit from a double public and private support. Public support comes from local authorities that authorize, supervise and accompany the development of this art. Private support comes from local galleries or commercial or financial companies. This is the big difference with the official contemporary art which is totally framed by the states, their civil servants and by a whole commercial and financial world of not local or regional character, but at least national and especially international. This explains why street art is much closer to the general public while official contemporary art is a very esoteric machine totally dependent on "enlightened" cenacles located very above the peoples. . Let us be clear: they are very much above the peoples not at all because they are more "enlightened", as they say, and believe it in part themselves, but because they have the Money and the Power.

Technorati Tags: ,

A few nice marketing definition images I found:

IMG_7131 Claude Monet. 1840-1926. Paris. Coquelicots. Poppies. 1873. Paris Orsay.
marketing definition
Image by jean louis mazieres
Claude Monet. 1840-1926. Paris. Coquelicots. Poppies. 1873. Paris Orsay.

LA RUPTURE IMPRESSIONNISTE

L’impressionnisme n’a pas été facilement accepté en France. Les techniques impressionnistes, l’esquisse et le tachisme, heurtaient les habitudes antérieures.
L’esquisse a toujours existée. Elle permettait de conclure un contrat avec les commanditaires en leur donnant une idée du tableau, et de la manière dont le peintre envisageait de traiter le sujet. L’esquisse était nécessaire pour avoir le droit de se présenter à l’Académie. Mais les commanditaires exigeaient, au final, une oeuvre achevée, au dessin rigoureux, fini, précis. Un peintre n’était pas reçu à l’Académie sur une esquisse.
L’impressionnisme prenait le contre-pied de cette esthétique classique en faisant de l’esquisse et du tachisme un système.
D’un point de vue classique un tableau impressionniste n’est pas achevé.
Les impressionnistes, systématisaient l’Art du Flou.

Parmi les techniques développées au cours du 19è siècle l’Esquisse a été une des meilleures expressions de l’Art du Flou.
L’Art du Flou a été pratiqué de manière géniale par Léonard de Vinci. Le "Sfumato" est, dans le cadre d’une peinture très figurative et parfaitement finie, comme la Joconde, les Vierges au rocher, ou Saint Jean Baptiste, une ébauche d’art du flou.
L’Esquisse a été dans l’histoire de la peinture un projet, une étude préparatoire, qui permettait à l’artiste de s’assurer de la cohérence et de l’équilibre de son tableau fini. Dans ce cas, le plus souvent, le flou n’est qu’une approximation, un brouillon, le témoin d’un art incomplet qui demande à être achevé.
Mais de nombreux artistes, au cours des siècles passés, ont parfaitement compris que l’esquisse pouvait, parfois, exceptionnellement, être une oeuvre achevée.
C’est à dire une oeuvre dont une grande majorité de spectateurs, experts ou non, ressentaient impérieusement que RIEN ne devait lui être ajoutée. Ce n’est pas une définition mathématique, mais c’est la meilleure.
L’esquisse n’est une oeuvre achevée que lorsqu’elle est créatrice d’une atmosphère singulière, particulièrement suggestive, porteuse d’une poésie qui lui est propre, unique. Quand il apparaît de manière évidente que plus de précision dans le dessin fermerait les portes à l’imaginaire, au mystère, et détruirait un équilibre subtile entre le rêve et la réalité.
Le dessin trop précis peut en effet fermer les portes à l’imaginaire, alors que le flou qui caractérise l’esquisse peut les ouvrir. Les photographes le savent bien aussi : Le flou peut être simplement flou, mais il peut aussi être une invitation à ressentir un mystère et à participer à une énigme. Le spectateur est invité à meubler par son imagination le flou qui lui est proposé.
Mais c’est une alchimie dont seuls les grands artistes, peuvent, exceptionnellement, pénétrer le secret.
Le grand maître de cette technique, et celui qui, le plus précocement, l’a poussé le plus loin, a été William Turner (1775-1851).
Delacroix a été aussi, un peu après Turner, un des grands précurseurs de l’art de l’esquisse. Par exemple dans la "mort de Sadarnapale" mais aussi dans bien d’autres tableaux. Mais Delacroix est aussi un exemple des limites de cette technique. Toutes les techniques rencontrent, à un moment ou à un autre, leurs limites.
L’Art de l’esquisse est redoutablement difficile, car il ne suffit pas de dessiner schématiquement un sujet pour faire une belle oeuvre. De même qu’en photographie de nos jours, il ne suffit pas de dessiner et de peindre flou pour créer une oeuvre d’art.
Le flou peut n’être qu’une approximation, bâclée, dont finalement la valeur marchande ne tient qu’à la signature d’un grand nom, et surtout à un marché dont les buts ne sont aucunement artistiques.
Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) l’adversaire de Eugène Delacroix disait " le dessin est la probité de l’art". Il faut comprendre que le dessin, exact et précis, est une exigence et un préalable à tout art de la peinture. Il n’avait pas totalement raison, mais il n’avait pas non plus totalement tort.

THE IMPRESSIONIST RUPTURE

The Impressionism was not easily accepted in France. The Impressionist techniques, the sketch and the tachism were contrary to previous habits. The sketch has always existed. It allowed to conclude a contract with sponsors. The sketch gave them an overview of the table, and how the painter was planning to address the issue. The sketch was necessary to have the right to appear at the Academy. But the sponsors demanded a finished work, the rigorous drawing, finished, accurate. We were not admitted to the Academy on a sketch.
The Impressionism was taking against the foot of this classic aesthetics by making the sketch and tachisme a system.
From a classical point of view an impressionist painting is not completed.
The Impressionists, systematized the Art of Blur.

Among the techniques developed during the 19th century, the sketch was one of the best expressions of the Art of Blur.
The Art of Blur has been practiced ingeniously by Leonardo da Vinci. The "Sfumato" is in the context of a very figurative and perfectly finished painting, like the Mona Lisa, the Virgin on the rock, or John the Baptist, a draft of art of blur..
The sketch was in the history of painting, a project, a preparatory study, which allowed the artist to ensure the coherence and balance of the finished table. In this case, usually, the blur is only an approximation, a preform, a draft, witnessed an incomplete art which needs to be completed.
But many artists, over the centuries, have understood perfectly that the sketch was sometimes, exceptionally, be a finished work.
That is to say a work, of which a large majority of spectators, experts or not, imperiously felt that NOTHING was to be added to it. This is not a mathematical definition, but this is the best.
The sketch is a finished work, only when it is creative, from a singular atmosphere, particularly suggestive, carrying a single poetry. When he appears, with evidence, that more precision in drawing, closes the doors to the imagination, of the mystery, and destroy a subtle balance between dream and reality.
The tto precise drawing can, in fact, close the doors to the imagination. While the blur, characteristic of the sketch, can open these doors. The photographers also know well: The blur can be simply fuzzy, but it can also be an invitation to feel a mystery and to participate in an enigma. The viewer is invited to furnish the blur proposed to him, through his imagination.
But it is an alchemy that only great artists have exceptionally found the secret.
The great master of this technique that the earliest, pushed him, foremost, was William Turner (1775-1851).
Delacroix was also a little after Turner, one of the major precursors of the art of the sketch. For example in the "death of Sadarnapale" but also in many other paintings. But Delacroix is also an example of the limitations of this technique. All techniques meet, at one time or another, their limits.
The Art of the sketch is terribly difficult, because it is not enough to draw schematically a subject to make a beautiful work. It is not enough to draw and paint blur, or photographing blur, to create a work of art.
The Blur can only be an approximation, botched, whose market value stands only in the signature of a great name, and especially to a market, whose goals are in no way artistic.
Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867), the opponent of Eugène Delacroix, said: "Drawing is the probity of art". Understand that drawing, accurate and precise, is a requirement and a prerequisite for any art of painting. He was not totally right, but he was not completely wrong.

IMG_1047 Henry Moret. 1856-1918. Paris Paysage de Pont Aven. Landscape of Pont Aven. 1889 Quimper. Musée des Beaux Arts.
marketing definition
Image by jean louis mazieres
Henry Moret. 1856-1918. Paris
Paysage de Pont Aven.
Landscape of Pont Aven. 1889
Quimper. Musée des Beaux Arts.

LA RUPTURE IMPRESSIONNISTE

L’impressionnisme n’a pas été facilement accepté en France. Les techniques impressionnistes, l’esquisse et le tachisme, heurtaient les habitudes antérieures.
L’esquisse a toujours existée. Elle permettait de conclure un contrat avec les commanditaires en leur donnant une idée du tableau, et de la manière dont le peintre envisageait de traiter le sujet. L’esquisse était nécessaire pour avoir le droit de se présenter à l’Académie. Mais les commanditaires exigeaient, au final, une oeuvre achevée, au dessin rigoureux, fini, précis. Un peintre n’était pas reçu à l’Académie sur une esquisse. Il pouvait seulement justifier sa candidature.
L’impressionnisme prenait le contre-pied de cette esthétique classique en faisant de l’esquisse et du tachisme un système.
D’un point de vue classique un tableau impressionniste n’est pas achevé.
Les impressionnistes, systématisaient l’Art du Flou.
Parmi les techniques développées au cours du 19è siècle l’Esquisse a été une des meilleures expressions de l’Art du Flou.
L’Art du Flou a été pratiqué de manière géniale par Léonard de Vinci. Le "Sfumato" est, dans le cadre d’une peinture très figurative et parfaitement finie, comme la Joconde, les Vierges au rocher, ou Saint Jean Baptiste, une ébauche d’art du flou.
L’Esquisse a été dans l’histoire de la peinture un projet, une étude préparatoire, qui permettait à l’artiste de s’assurer de la cohérence et de l’équilibre de son tableau fini. Dans ce cas, le plus souvent, le flou n’est qu’une approximation, un brouillon, le témoin d’un art incomplet qui demande à être achevé.
Mais de nombreux artistes, au cours des siècles passés, ont parfaitement compris que l’esquisse pouvait, parfois, exceptionnellement, être une oeuvre achevée.
C’est à dire une oeuvre dont une grande majorité de spectateurs, experts ou non, ressentaient impérieusement que RIEN ne devait lui être ajoutée. Ce n’est pas une définition mathématique, mais c’est la meilleure.
L’esquisse n’est une oeuvre achevée que lorsqu’elle est créatrice d’une atmosphère singulière, particulièrement suggestive, porteuse d’une poésie qui lui est propre, unique. Quand il apparaît de manière évidente que plus de précision dans le dessin fermerait les portes à l’imaginaire, au mystère, et détruirait un équilibre subtile entre le rêve et la réalité.
Le dessin trop précis peut en effet fermer les portes à l’imaginaire, alors que le flou qui caractérise l’esquisse peut les ouvrir. Les photographes le savent bien aussi : Le flou peut être simplement flou, mais il peut aussi être une invitation à ressentir un mystère et à participer à une énigme. Le spectateur est invité à meubler par son imagination le flou qui lui est proposé.
Mais c’est une alchimie dont seuls les grands artistes, peuvent, exceptionnellement, pénétrer le secret.
Le grand maître de cette technique, et celui qui, le plus précocement, l’a poussé le plus loin, a été William Turner (1775-1851).
Delacroix a été aussi, un peu après Turner, un des grands précurseurs de l’art de l’esquisse, et comme lui de l’Art Moderne. Par exemple dans la "mort de Sadarnapale" mais aussi dans bien d’autres tableaux. Mais Delacroix est aussi un exemple des limites de cette technique. Toutes les techniques rencontrent, à un moment ou à un autre, leurs limites.
L’Art de l’esquisse est redoutablement difficile, car il ne suffit pas de dessiner schématiquement un sujet pour faire une belle oeuvre. De même qu’en photographie de nos jours, il ne suffit pas de dessiner et de peindre flou pour créer une oeuvre d’art.
Le flou peut n’être qu’une approximation, bâclée, dont finalement la valeur marchande ne tient qu’à la signature d’un grand nom, et surtout à un marché dont les buts ne sont aucunement artistiques. Le marché n’a qu’un but : vendre le plus cher possible, même ce qui ne vaut rien, surtout ce qui ne vaut rien. Car le profit est plus grand.

La rupture impressionniste est importante, car elle met en évidence, après les prémices romantiques, la naissance d’une nouvelle esthétique, et d’une nouvelle liberté pour les artistes. Une esthétique et une liberté individualiste, inconnues jusqu’alors en Europe: celle de l’Art Moderne. C’est une double rupture: à la fois technique et idéologique. L’impressionnisme, techniquement, tourne le dos au bien dessiné. "Le dessin est la probité de l’art" disait Ingres. Il avait raison. Mais il y a toujours plusieurs raisons à la raison, et surtout à l’émotion artistique partagée. L’invention impressionniste du tachisme est scandaleuse, diabolique, pour l’Académie qui représente l’art classique: bien dessiné et bien peint. Bien peint c’est à dire bien fini : la touche du pinceau ne doit pas se voir. Idéologiquement l’Impressionnisme est un art anti-académique. L’Académie Française, parisienne, était la continuatrice de l’Art Monarchique d’Etat, celui de Louis XIII et de Louis XIV, mais pas seulement : La Première République, dite révolutionnaire, a été artistiquement le sommet du Néo-Classicisme avec Jean Louis David. La peinture française n’a jamais autant cultivé l’Antiquité Romaine et le classicisme que sous la Révolution, et sa suite directe le Premier Empire.
Ce n’est qu’après 1815 et la défaite militaire de la France républicaine et impériale, que l’Europe commence à entrer dans des temps nouveaux. Des temps nouveaux qu’annoncent les Romantiques français, mais aussi européens, notamment Germaniques. Des temps de liberté pour les artistes.
Pourquoi ?
Parce qu’aucune idéologie, aucune religion, sacrée ou profane, aucune anti-religion, ne règne en maître sur l’Europe. L’Europe du 19è vit dans un siècle d’attente, de concurrence et de transition idéologique. Artistiquement ce siècle sera extraordinairement créateur de Beau et de Sens, dans un esprit le renouvellement, mais sans renier le passé.
L’Académie Française, après 1815, voulait toujours perpétuer "la Grande Peinture", aux techniques du dessin irréprochables, et aux thèmes qui témoignaient de l’enracinement culturel de la France et de l’Europe dans l’Antiquité Chrétienne et Gréco-Romaine.
Les Impressionnistes remettent en question cette vision classique de l’art : Plus de dessin précis, plus aucun autre thème que le paysage rural ou urbain. Quelques portraits et quelques nus avec Renoir. Une peinture sans aucune préoccupation historique, philosophique, morale, religieuse. Une peinture de l’instant qui passe. Les Impressionnistes ne cultivent pas les grands mythes des civilisations humaines. Les Impressionnistes ignorent les grandes interrogations de l’humanité depuis le paléolithique : D’où venons nous, et où allons nous ? Toute la modernité contemporaine, sa fascination pour le présent et l’avenir, son indifférence au passé, est déjà présente chez les Impressionnistes. C’est en ce sens qu’ils sont "Modernes" et même déjà "Contemporain". Sauf le Laid et l’Absurde, le Non-Art Contemporain c’est pour plus tard : la deuxième moitié du 20è siècle.
La Modernité Impressionniste n’est pas une esthétique polémique de la Table Rase. Ce n’est pas une anti-esthétique. C’est pourquoi elle plait aux peuples depuis son origine, et toujours actuellement. La peinture impressionniste ne remet pas en cause les fondements principaux de l’esthétique européenne depuis des millénaires : le Beau et le Sens. L’impressionnisme est certes une idéologie toute nouvelle, celle du bonheur de l’instant présent, point. Mais sans prétention à gouverner le monde. Les Impressionnistes ne se prennent pas pour la Lumière (ou la Liberté) qui va éclairer la terre entière. Et faire plein de profits à cette occasion. Non, pas encore, ce sont des artistes issus du peuple qui peignent selon leurs sentiments et leur bon plaisir. Ils se situent en dehors de toutes les écoles, cénacles, loges, académies, et autres institutions étatiques ou privées. Et c’est la raison de leur rapide succès populaire que l’on peut comparer à l’échec évident de l’art contemporain officiel auprès du public.

Il ne faut pas en effet exagérer les résistances à l’impressionnisme et surtout ne pas confondre, comme on le fait trop souvent, ces résistances avec la situation de l’art contemporain officiel qui s’est imposé dans les musées européens à partir des années 1950 et suivantes. A l’origine de l’impressionnisme sont des peintres populaires en rupture avec l’esthétique officielle prônée par l’Académie de peinture de Paris qui contrôlait notamment l’accès au Salon annuel. Cette résistance, et celle d’une certaine critique, a été tournée très vite avec les Salons des refusés, dès 1863, le dernier salon des refusés ayant eut lieu en 1886. En réalité la résistance des peintres de l’Académie a été brisée dès 1881. Les artistes impressionnistes français ont connu la célébrité de leur vivant et ont fait immédiatement école dans toute l’Europe. Aussi bien auprès des élites que des populations.
Absolument à l’opposé de l’impressionnisme à ses débuts, l’art contemporain est un art tout à fait officiel, faussement révolutionnaire, mais totalement académique, imposé par les élites idéologiques et politiques occidentales qui ont construit pour lui des musées particuliers conçus par les plus grands architectes du temps. La peinture contemporaine constitue effectivement un art en rupture totale avec l’art antérieur par sa consécration du laid et de l’absurde. Mais cette rupture n’a aucune origine populaire, c’est une "révolution" totalement organisée d’en haut par une poignée "d’éclairés" disposant du pouvoir, et de beaucoup d’argent. L’art contemporain a été dès son origine, aux Etats Unis entre les deux guerres, puis en Europe à partir de la seconde guerre mondiale un art au service des pouvoirs, et en rien un art populaire et résistant. Par contre ce sont les peuples qui ont déserté et continuent de déserter les salles d’art contemporain. Ce qui n’a jamais été le cas pour les impressionnistes. Manet a été célèbre dès le salon des Refusés de 1863.
Une comparaison entre la situation des impressionnistes avec celle des artistes de l’art des rues né dans le courant des années 1960, serait bien plus pertinente. Si on ne la fait pas, c’est une fois de plus la démonstration que l’art est un des hauts lieux de la manipulation idéologique et politique des peuples. Cela a été le cas en Europe de l’art catholique à l’époque médiévale, de l’art orthodoxe, des choix esthétiques des protestants, bien sûr de l’art baroque et classique, des arts communistes, nationaux-socialistes, et de l’art contemporain. La seule période où l’art européen a été multiforme et s’est inventé en dehors des idéologies et des cercles politiques au pouvoir c’est précisément la période de l’art moderne de 1850 à 1950. Parce qu’à cette époque il existait des idéologies concurrentes et qu’aucune ne disposait entièrement du pouvoir d’imposer l’art qui lui convenait. Et si notre époque connaît effectivement une peinture qui vit en dehors des cadres officiels, ou même en rupture avec eux, c’est dans l’art privé, l’art commercial et l’art des rues qu’il faut le chercher. Pas dans les collection permanentes des musées d’art contemporain.

THE IMPRESSIONIST RUPTURE

The Impressionism was not easily accepted in France. The Impressionist techniques, the sketch and the tachism were contrary to previous habits. The sketch has always existed. It allowed to conclude a contract with sponsors. The sketch gave them an overview of the table, and how the painter was planning to address the issue. The sketch was necessary to have the right to appear at the Academy. But the sponsors demanded a finished work, the rigorous drawing, finished, accurate. We were not admitted to the Academy on a sketch. He could only justify his candidacy
The Impressionism was taking against the foot of this classic aesthetics by making the sketch and tachisme a system.
From a classical point of view an impressionist painting is not completed.
The Impressionists, systematized the Art of Blur.

Among the techniques developed during the 19th century, the sketch was one of the best expressions of the Art of Blur.
The Art of Blur has been practiced ingeniously by Leonardo da Vinci. The "Sfumato" is in the context of a very figurative and perfectly finished painting, like the Mona Lisa, the Virgin on the rock, or John the Baptist, a draft of art of blur..
The sketch was in the history of painting, a project, a preparatory study, which allowed the artist to ensure the coherence and balance of the finished table. In this case, usually, the blur is only an approximation, a preform, a draft, witnessed an incomplete art which needs to be completed.
But many artists, over the centuries, have understood perfectly that the sketch was sometimes, exceptionally, be a finished work.
That is to say a work, of which a large majority of spectators, experts or not, imperiously felt that NOTHING was to be added to it. This is not a mathematical definition, but this is the best.
The sketch is a finished work, only when it is creative, from a singular atmosphere, particularly suggestive, carrying a single poetry. When he appears, with evidence, that more precision in drawing, closes the doors to the imagination, of the mystery, and destroy a subtle balance between dream and reality.
The tto precise drawing can, in fact, close the doors to the imagination. While the blur, characteristic of the sketch, can open these doors. The photographers also know well: The blur can be simply fuzzy, but it can also be an invitation to feel a mystery and to participate in an enigma. The viewer is invited to furnish the blur proposed to him, through his imagination.
But it is an alchemy that only great artists have exceptionally found the secret.
The great master of this technique that the earliest, pushed him, foremost, was William Turner (1775-1851).
Delacroix was also a little after Turner, one of the major precursors of the art of the sketch and like him of Modern Art. For example in the "death of Sadarnapale" but also in many other paintings. But Delacroix is also an example of the limitations of this technique. All techniques meet, at one time or another, their limits.
The Art of the sketch is terribly difficult, because it is not enough to draw schematically a subject to make a beautiful work. It is not enough to draw and paint blur, or photographing blur, to create a work of art.
The Blur can only be an approximation, botched, whose market value stands only in the signature of a great name, and especially to a market, whose goals are in no way artistic. The market has only one goal: to sell the most expensive possible, even what is worthless, especially what is worthless. Because the profit is bigger.

The impressionistic rupture is important because it highlights, after the romantic beginnings, the birth of a new aesthetic, and a new freedom for the artists. An aesthetic and an freedom, individualistic, unknown until then in Europe: that of Modern Art. This is a double break: both technical and ideological. Impressionism, technically, turns its back on the well drawn. "Drawing is the probity of art," said Ingres. He was right. But there are always many reasons for the reason, and especially for shared artistic emotion. The impressionist invention of Tachism is scandalous, diabolical, for the Academy of Paris, which represents classical art: well drawn and well painted. Well painted and well finished: the touch of the brush should not be seen. Ideologically Impressionism is an anti-academic art. The French Academy, Paris, was the continuation of the State Monarchical Art, that of Louis XIII and Louis XIV, but not only: The First Republic, called Revolutionary, was artistically the summit of Neo-Classicism with John Louis David. French painting has never cultivated Roman antiquity and classicism as much as under the Revolution, and its direct continuation, the First Empire.
Only after 1815 and the military defeat of republican and imperial France, did Europe begin to enter new times. New times announced by the French Romantics, but also European, especially Germanic. Time of freedom for artists.
Why ?
Because no ideology, no religion, sacred or profane, no anti-religion, reigns supreme over Europe. Europe of the 19th lives in a century of waiting, competition and ideological transition. Artistically this century will be extraordinarily creator of Beau and Sens, in a renewal spirit, but without denying the past.
The French Academy, after 1815, still wanted to perpetuate "the Great Painting", to the irreproachable drawing techniques, and to the themes that testified to the cultural rooting of France and Europe in the Christian and Greco-Roman Antiquity .
The Impressionists question this classic vision of art: Completed the precise drawing, no other theme than the rural or urban landscape. Some portraits and some nudes with Renoir. A painting without any historical, philosophical, moral, religious concern. A painting of the moment that passes. The Impressionists do not cultivate the great myths of human civilizations. The Impressionists ignore the great questions of the humanity since the Paleolithic: Where do we come from, and where are we going? All contemporary modernity, its fascination for the present and the future, its indifference to the past, is already present among the Impressionists. It is in this sense that they are "Modern" and even already "Contemporary". Except the Laid and the Absurd, the contemporary non-art, is for later: the second half of the 20th century.
The impressionist Modernity is not a polemical aesthetic of the "Rase Table" (clean slate) . This is not an anti-aesthetic. That is why Impressionnisme pleases peoples since its origin, and still today. Impressionist painting does not question the main foundations of European aesthetics for millennia: the Beautiful and the Meaning. Impressionism is certainly an entirely new ideology, that of the happiness of the present moment, point. But without pretension to rule the world. The Impressionists do not think of the Light (or Liberty) that will illuminate the whole earth. And make a lot of profits on this occasion. No, not yet, they are artists from the people, who paint according to their feelings and their good pleasure. They are located outside all schools, cenacles, lodges, academies, and other state or private institutions. And this is the reason for their rapid popular success that we can compared to the obvious failure of official contemporary art with the public.

Indeed, the resistance to Impressionism should not be exaggerated and, above all, it should not be confused, as is too often the case, with the situation of official contemporary art which has been imposed in European museums from the years 1950 and onwards. At the origin of Impressionism are popular painters who broke with the official aesthetics of the Paris Academy of Painting, which controlled access to the annual Salon. This resistance, and that of a certain criticism, was bypassed very quickly with the salons of the refused, since 1863, the last salon of the refused having taken place in 1886. In reality the resistance of the painters of the Academy was broken as soon as 1881. French impressionist artists were famous during their lifetime and immediately influenced all European painting. Among both elites and populations.
Absolutely the opposite of early Impressionism, contemporary art is an entirely official, falsely revolutionary, but totally academic art imposed by Western ideological and political elites who have built for them special museums designed by the greatest architects of the time. Contemporary painting is indeed an art in complete rupture with the prior art by its consecration of milk and absurd. But this break has no popular origin, it is a "revolution" totally organized from above by a handful of "enlightened" people with power and a lot of money. Contemporary art has been afterwards the beginning, in the United States between the two wars, then in Europe after the second world war an art in the service of the powers, and in no way a popular and resistant art. On the other hand, it is the peoples who have deserted and continue to desert the rooms of contemporary art. Which has never been the case for the Impressionists. Manet was famous at the Salon des Refusés of 1863.
A comparison between the situation of the impressionists and that of the artists of the street art, born in the course of the 1960s, would be much more relevant. If we do not do it, it is once again the demonstration that art is one of the high places of the ideological and political manipulation of peoples. This was the case in Europe of medievalCatholic art, Orthodox art, aesthetic choices of Protestants, of course Baroque and Classical art, Communist arts, National Socialist arts and of the contemporary art. The only period when European art has been multiform and invented outside the ideologies and political circles in power is precisely the period of modern art from 1850 to 1950. Because at that time there existed competing ideologies and none of them had the power to impose the art that she wanted. And if our time actually knows a painting that lives outside official frameworks, or even breaks with them, it is rather in private art, commercial art and street art that we must look for it. Not in the permanent collections of Contemporary Art museums.

IMG_9010R Johan Barthold Jongkind. 1919-1891. Marine. 1855. Mulhouse. Musée des Beaux Arts.
marketing definition
Image by jean louis mazieres
Johan Barthold Jongkind. 1919-1891. Marine. 1855.
Mulhouse. Musée des Beaux Arts.

Jongkind, comme Isabey font partie des pré-impressionnistes car ils ne peignaient pas en plein air mais en atelier, à partir d’esquisse réalisée sur le terrain. A leur époque l’industrie n’avait pas encore inventé les couleurs en tubes qui ont permis aux impressionnistes de travailler sur le terrain avec pour conséquence d’éclaircir leur palette.

Jongkind, like Isabey, are among the pre-Impressionists because they did not paint in the open air, but in the studio, from a sketch made on the ground. In their time the industry had not yet invented the colors in tubes that allowed the impressionists to work on the ground with the consequence of clarifying their palette.

LA RUPTURE IMPRESSIONNISTE

L’impressionnisme n’a pas été facilement accepté en France. Les techniques impressionnistes, l’esquisse et le tachisme, heurtaient les habitudes antérieures.
L’esquisse a toujours existée. Elle permettait de conclure un contrat avec les commanditaires en leur donnant une idée du tableau, et de la manière dont le peintre envisageait de traiter le sujet. L’esquisse était nécessaire pour avoir le droit de se présenter à l’Académie. Mais les commanditaires exigeaient, au final, une oeuvre achevée, au dessin rigoureux, fini, précis. Un peintre n’était pas reçu à l’Académie sur une esquisse.
L’impressionnisme prenait le contre-pied de cette esthétique classique en faisant de l’esquisse et du tachisme un système.
D’un point de vue classique un tableau impressionniste n’est pas achevé.
Les impressionnistes, systématisaient l’Art du Flou.

Parmi les techniques développées au cours du 19è siècle l’Esquisse a été une des meilleures expressions de l’Art du Flou.
L’Art du Flou a été pratiqué de manière géniale par Léonard de Vinci. Le "Sfumato" est, dans le cadre d’une peinture très figurative et parfaitement finie, comme la Joconde, les Vierges au rocher, ou Saint Jean Baptiste, une ébauche d’art du flou.
L’Esquisse a été dans l’histoire de la peinture un projet, une étude préparatoire, qui permettait à l’artiste de s’assurer de la cohérence et de l’équilibre de son tableau fini. Dans ce cas, le plus souvent, le flou n’est qu’une approximation, un brouillon, le témoin d’un art incomplet qui demande à être achevé.
Mais de nombreux artistes, au cours des siècles passés, ont parfaitement compris que l’esquisse pouvait, parfois, exceptionnellement, être une oeuvre achevée.
C’est à dire une oeuvre dont une grande majorité de spectateurs, experts ou non, ressentaient impérieusement que RIEN ne devait lui être ajoutée. Ce n’est pas une définition mathématique, mais c’est la meilleure.
L’esquisse n’est une oeuvre achevée que lorsqu’elle est créatrice d’une atmosphère singulière, particulièrement suggestive, porteuse d’une poésie qui lui est propre, unique. Quand il apparaît de manière évidente que plus de précision dans le dessin fermerait les portes à l’imaginaire, au mystère, et détruirait un équilibre subtile entre le rêve et la réalité.
Le dessin trop précis peut en effet fermer les portes à l’imaginaire, alors que le flou qui caractérise l’esquisse peut les ouvrir. Les photographes le savent bien aussi : Le flou peut être simplement flou, mais il peut aussi être une invitation à ressentir un mystère et à participer à une énigme. Le spectateur est invité à meubler par son imagination le flou qui lui est proposé.
Mais c’est une alchimie dont seuls les grands artistes, peuvent, exceptionnellement, pénétrer le secret.
Le grand maître de cette technique, et celui qui, le plus précocement, l’a poussé le plus loin, a été William Turner (1775-1851).
Delacroix a été aussi, un peu après Turner, un des grands précurseurs de l’art de l’esquisse. Par exemple dans la "mort de Sadarnapale" mais aussi dans bien d’autres tableaux. Mais Delacroix est aussi un exemple des limites de cette technique. Toutes les techniques rencontrent, à un moment ou à un autre, leurs limites.
L’Art de l’esquisse est redoutablement difficile, car il ne suffit pas de dessiner schématiquement un sujet pour faire une belle oeuvre. De même qu’en photographie de nos jours, il ne suffit pas de dessiner et de peindre flou pour créer une oeuvre d’art.
Le flou peut n’être qu’une approximation, bâclée, dont finalement la valeur marchande ne tient qu’à la signature d’un grand nom, et surtout à un marché dont les buts ne sont aucunement artistiques.
Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) l’adversaire de Eugène Delacroix disait " le dessin est la probité de l’art". Il faut comprendre que le dessin, exact et précis, est une exigence et un préalable à tout art de la peinture. Il n’avait pas totalement raison, mais il n’avait pas non plus totalement tort.

THE IMPRESSIONIST RUPTURE

The Impressionism was not easily accepted in France. The Impressionist techniques, the sketch and the tachism were contrary to previous habits. The sketch has always existed. It allowed to conclude a contract with sponsors. The sketch gave them an overview of the table, and how the painter was planning to address the issue. The sketch was necessary to have the right to appear at the Academy. But the sponsors demanded a finished work, the rigorous drawing, finished, accurate. We were not admitted to the Academy on a sketch.
The Impressionism was taking against the foot of this classic aesthetics by making the sketch and tachisme a system.
From a classical point of view an impressionist painting is not completed.
The Impressionists, systematized the Art of Blur.

Among the techniques developed during the 19th century, the sketch was one of the best expressions of the Art of Blur.
The Art of Blur has been practiced ingeniously by Leonardo da Vinci. The "Sfumato" is in the context of a very figurative and perfectly finished painting, like the Mona Lisa, the Virgin on the rock, or John the Baptist, a draft of art of blur..
The sketch was in the history of painting, a project, a preparatory study, which allowed the artist to ensure the coherence and balance of the finished table. In this case, usually, the blur is only an approximation, a preform, a draft, witnessed an incomplete art which needs to be completed.
But many artists, over the centuries, have understood perfectly that the sketch was sometimes, exceptionally, be a finished work.
That is to say a work, of which a large majority of spectators, experts or not, imperiously felt that NOTHING was to be added to it. This is not a mathematical definition, but this is the best.
The sketch is a finished work, only when it is creative, from a singular atmosphere, particularly suggestive, carrying a single poetry. When he appears, with evidence, that more precision in drawing, closes the doors to the imagination, of the mystery, and destroy a subtle balance between dream and reality.
The tto precise drawing can, in fact, close the doors to the imagination. While the blur, characteristic of the sketch, can open these doors. The photographers also know well: The blur can be simply fuzzy, but it can also be an invitation to feel a mystery and to participate in an enigma. The viewer is invited to furnish the blur proposed to him, through his imagination.
But it is an alchemy that only great artists have exceptionally found the secret.
The great master of this technique that the earliest, pushed him, foremost, was William Turner (1775-1851).
Delacroix was also a little after Turner, one of the major precursors of the art of the sketch. For example in the "death of Sadarnapale" but also in many other paintings. But Delacroix is also an example of the limitations of this technique. All techniques meet, at one time or another, their limits.
The Art of the sketch is terribly difficult, because it is not enough to draw schematically a subject to make a beautiful work. It is not enough to draw and paint blur, or photographing blur, to create a work of art.
The Blur can only be an approximation, botched, whose market value stands only in the signature of a great name, and especially to a market, whose goals are in no way artistic.
Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867), the opponent of Eugène Delacroix, said: "Drawing is the probity of art". Understand that drawing, accurate and precise, is a requirement and a prerequisite for any art of painting. He was not totally right, but he was not completely wrong.

Technorati Tags: , , , , , , , ,

Some cool marketing definition images:

IMG_8268FA Emile Bernard. 1868-1941. Paris. La baignade. Bathers. 1904 Colmar. Musée Unterlinden.
marketing definition
Image by jean louis mazieres
Emile Bernard. 1868-1941. Paris.
La baignade. Bathers. 1904
Colmar. Musée Unterlinden.

L’ESQUISSE ou L’ART DU FLOU

L’Art Moderne, annoncé bien avant le début du 20è siècle par les pré-impressionnistes, les impressionnistes et les post-impressionnistes, a été un facteur tout à fait remarquable de renouvellement des formes, dans la peinture européenne.
L’Art a toujours été, une manière de rêver le monde réel. Mais les nouvelles techniques de l’Art Moderne, s’éloignent toutes, de manière très intentionnelle, volontariste, de la représentation exacte du réel.
Les peintres tendent à créer un art dans lequel l’interprétation du réel l’emporte sur sa reproduction.
L’artiste moderne ne reproduit plus guère le réel, il le rêve, ou l’invente. Ces tendances ont abouti à l’art non figuratif, autrement appelé l’art abstrait.
Ce renouvellement des formes en peinture a apporté de nouvelles possibilités, très intéressantes, et très belles, d’expression artistique.
Parmi les techniques développées au cours du 19è siècle l’Esquisse a été une des meilleures expressions de l’Art du Flou.
L’Art du Flou a été pratiqué de manière géniale par Léonard de Vinci. Le "Sfumato" est, dans le cadre d’une peinture très figurative et parfaitement finie, comme la Joconde, les Vierges au rocher, ou Saint Jean Baptiste, une ébauche d’art du flou.
L’Esquisse a été dans l’histoire de la peinture un projet, une étude préparatoire, qui permettait à l’artiste de s’assurer de la cohérence et de l’équilibre de son tableau fini. Dans ce cas, le plus souvent, le flou n’est qu’une approximation, un brouillon, le témoin d’un art incomplet qui demande à être achevé.
Mais de nombreux artistes, au cours des siècles passés, ont parfaitement compris que l’esquisse pouvait, parfois, exceptionnellement, être une oeuvre achevée.
C’est à dire une oeuvre dont une grande majorité de spectateurs, experts ou non, ressentaient impérieusement que RIEN ne devait lui être ajoutée. Ce n’est pas une définition mathématique, mais c’est la meilleure.
L’esquisse n’est une oeuvre achevée que lorsqu’elle est créatrice d’une atmosphère singulière, particulièrement suggestive, porteuse d’une poésie qui lui est propre, unique. Quand il apparaît de manière évidente que plus de précision dans le dessin fermerait les portes à l’imaginaire, au mystère, et détruirait un équilibre subtile entre le rêve et la réalité.
Le dessin trop précis peut en effet fermer les portes à l’imaginaire, alors que le flou qui caractérise l’esquisse peut les ouvrir. Les photographes le savent bien aussi : Le flou peut être simplement flou, mais il peut aussi être une invitation à ressentir un mystère et à participer à une énigme. Le spectateur est invité à meubler par son imagination le flou qui lui est proposé.
Mais c’est une alchimie dont seuls les grands artistes, peuvent, exceptionnellement, pénétrer le secret.
Le grand maître de cette technique, et celui qui, le plus précocement, l’a poussé le plus loin, a été sans doute William Turner (1775-1851).
Delacroix a été aussi, un peu après Turner, un des grands précurseurs de l’art de l’esquisse. Par exemple dans la "mort de Sadarnapale" mais aussi dans bien d’autres tableaux. Mais Delacroix est aussi un exemple des limites de cette technique. Toutes les techniques rencontrent, à un moment ou à un autre, leurs limites.
L’Art de l’esquisse est redoutablement difficile, car il ne suffit pas de dessiner schématiquement un sujet pour faire une belle oeuvre. De même qu’en photographie de nos jours, il ne suffit pas de dessiner et de peindre flou pour créer une oeuvre d’art.
L’Europe a découvert avec les romantiques (Delacroix, Turner Constable) et les impressionnistes l’art de l’esquisse et ses charmes particuliers, mais nous voyons de nos jours de l’esquisse à profusion, au point que l’on peut poser la question : Et si on revenait, aussi, à de la peinture finie, comme celle des artistes du MEAM de Barcelone ? Combien d’artistes depuis les impressionnistes on fait de l’esquisse par facilité ?! En fait pour être capable de peindre une esquisse vraiment artistique, il faut être capable de peindre un tableau bien dessiné, totalement achevé et peint, et d’y ajouter une beauté indéfinissable, en ne le finissant pas ! Ce n’est pas donné à tout le monde.
Le flou peut n’être qu’une esquisse ou une approximation, dont finalement la valeur marchande ne tient qu’à la signature d’un grand nom.
Il est vrai que l’esquisse peut dégager une certaine puissance expressive, avoir une puissance évocatrice, une poésie de l’inachevé. Une force expressive que le tableau, bien fini, bien dessiné et bien peint, achevé, peut effectivement perdre. Mais la magie poétique de l’art du flou ne peut pas être systématique.
Le flou, c’est aussi beaucoup une question de mode. Une habitude du regard. Une culture.
L’esthétique de notre époque est un peu trop focalisée sur l’esquisse.
On finit par ne plus voir que des esquisses dans les galeries de peintures modernes ou contemporaines.
En réalité les artistes ne sont pas les seuls responsables de cette situation. Au 19è siècle la société occidentale est entrée dans une culture qui fait de la réussite, matérielle, économique, et de l’Argent ses valeurs principales. Dès lors des esquisses, qui ne seraient pas sorties des brouillons personnels de l’artiste, pendant les siècles précédents, sont devenues de marchandises sources de profits. Ces marchandises, se trouvent même dans les musées. Picasso avait très bien compris ce mécanisme économique.
Bien sûr cette évolution est habillée de Grands Principes : Il n’est pas question d’Argent, mais de l’Artiste, de la Liberté de Création, du Progrès des Arts, d’une "sensibilité nouvelle", de "vivre avec son temps" etc…
Cette omniprésence de l’esquisse reflète non seulement des habitudes du regard mais des valeurs éthiques. L’Art du Flou est devenu aussi l’Art de faire, vite, de l’Argent.
Valeurs morales positives ou négatives. Nous vivons dans un monde un peu trop pressé !! Pour aller où ?

THE SKETCH OR THE ART OF BLUR

Modern Art, announced well before the beginning of the 20th century by the pré-impressionnists, impressionists and post-impressionists, was a factor quite remarkable renewal forms in European painting.
Art has always been a way to dream the real world. But the new techniques of modern art, are moving away all so very intentional, deliberate, of the exact representation of reality.
The painters tend to create an art in which the interpretation of reality trumps its reproduction.
The modern artist is hardly reproduces reality, it’s dream or invent. These trends have resulted in non-figurative art, also called abstract art.
This renewal forms in painting is total. He brought new possibilities of artistic expression.
Among the techniques developed during the 19th century, the sketch was one of the best expressions of the Art of Blur.
The Art of Blur has been practiced ingeniously by Leonardo da Vinci. The "Sfumato" is in the context of a very figurative and perfectly finished painting, like the Mona Lisa, the Virgin on the rock, or John the Baptist, a draft of art of blur..
The sketch was in the history of painting, a project, a preparatory study, which allowed the artist to ensure the coherence and balance of the finished table. In this case, usually, the blur is only an approximation, a preform, a draft, witnessed an incomplete art which needs to be completed.
But many artists, over the centuries, have understood perfectly that the sketch was sometimes, exceptionally, be a finished work.
That is to say a work, of which a large majority of spectators, experts or not, imperiously felt that NOTHING was to be added to it. This is not a mathematical definition, but this is the best.
The sketch is a finished work, only when it is creative, from a singular atmosphere, particularly suggestive, carrying a single poetry. When he appears, with evidence, that more precision in drawing, closes the doors to the imagination, of the mystery, and destroy a subtle balance between dream and reality.
The tto precise drawing can, in fact, close the doors to the imagination. While the blur, characteristic of the sketch, can open these doors. The photographers also know well: The blur can be simply fuzzy, but it can also be an invitation to feel a mystery and to participate in an enigma. The viewer is invited to furnish the blur proposed to him, through his imagination.
But it is an alchemy that only great artists have exceptionally found the secret.
The great master of this technique that the earliest, pushed him, foremost, was William Turner (1775-1851).
Delacroix was also a little after Turner, one of the major precursors of the art of the sketch. For example in the "death of Sadarnapale" but also in many other paintings. But Delacroix is also an example of the limitations of this technique. All techniques meet, at one time or another, their limits.
The Art of the sketch is terribly difficult, because it is not enough to draw schematically a subject to make a beautiful work. It is not enough to draw and paint blur, or photographing blur, to create a work of art.
Europe has discovered with the Romantics (Delacroix, Turner Constable) and the Impressionists the art of sketching and its particular charms, but today we see the sketch in profusion, to the point that we can ask the question: What if we came back to finished the painting, like the artists of the MEAM from Barcelona? How many artists since the Impressionists have sketched for ease ?! In fact, to be able to paint a really artistic sketch, one must be able to paint a well-designed, completely finished and painted picture, and add an indefinable beauty to it, by not finishing it! It’s not given for everyone.
The blur can be only a sketch or an approximation, which ultimately market value is up to the signing of a big name.
It is true that the sketch can release a certain expressive power, have an evocative power, a poetry of unfinished. An expressive force that the painting, well finished, well designed and well painted, completed, can actually lose. But the poetic magic of Blur Art cannot be systematic.
It is also very much a question of fashion. A habit of look. A culture.
The aesthetics of our time is a little too focused on the sketch.
We finally see only sketches in the galleries of modern and contemporary paintings.
In fact the artists are not the solely responsibles, for this situation. In the 19th century Western society has entered a culture that makes of the success, physical, material, economic, and of money, its main values. Therefore the sketches, which would not come out of personal drafts of the artist, in previous centuries, have become merchandises, and sources of profits. These goods are found even in museums. Picasso understood very well, what economic mechanism.
Of course this evolution is dressed in Great Principles: There is no question of Money, but of the Artist, of the Freedom of Creation,of the Progress of the Arts, of a "new sensibility", "to live with her time "etc …
This omnipresence of the sketch reflects not only the look but the habits of ethical values.
positive or negative moral values. The Art of the blur has also become the Art to do, quickly, of the money.
We live in a world too pressed !! To go where ?

Saint John The Baptist Burial Ground in Needham Market – aerial
marketing definition
Image by John D Fielding
Saint John The Baptist Burial Ground in Needham Market – aerial

Technorati Tags: , , , , , , , , , ,

Set of 16 Black Master Markers Micro-Pen Fineliner Ink Pens – 16 Pens with Micro Fine Point, Chisel, Brush & Calligraphy Tip Nibs – Professional Technical Writing Drawing Pens – Artist Illustration

Set of 16 Black Master Markers Micro-Pen Fineliner Ink Pens - 16 Pens with Micro Fine Point, Chisel, Brush & Calligraphy Tip Nibs - Professional Technical Writing Drawing Pens - Artist Illustration

  • 16 BLACK MASTER FINELINER MICRO-PENS: 16 superior artist quality fine line black micro point ink pens with an assortment of unique nibs sizes and styles. Includes 8 micro nib tip sizes: 0.15mm (003), 0.20mm (005), 0.25mm (01), 0.30mm (02), 0.35mm (03), 0.45mm (05), 0.70mm (08) and 0.90mm (10). 3 Chisel tip sizes: 1mm, 2mm and 3mm. 3 Calligraphy tip sizes: XS, S, M. 2 Brush tip sizes: SS and L.
  • PROFESSIONAL QUALITY: Pens are non-toxic, water-based and acid-free with superior archival quality long lasting vibrant pigment inks that don’t smear, fade, bleed or skip. Exceptional professional technical writing and drawing pens for artists, writers, illustrators, students and teachers that provide consistent free-flowing ink with a smooth glide that allows you to create perfect clean lines with every use.
  • SAFE and EASY TO USE: Our waterproof pens conform to ASTM D4236 certification for art products. Suitable for children 3 and above. They provide super smooth writing every time. Perfect for the young aspiring artist to the established art professional. They’re loved because of their ease of use and the exceptional vibrant visual results they achieve with them.
  • CONVENIENT STORAGE: Pens are stored in convenient organizer pouch with individual spots to hold each pen, so you can always keep them neatly organized and ready for use. Each pen comes with a color coded pocket clip cap.
  • RISK FREE PURCHASE: 100% LIFETIME SATISFACTION GUARANTEE. We’re so confident that you’ll be delighted with our Master Markers Fineliner Micro-Pens that if you’re not satisfied with them at anytime, we’ll provide a full refund.

Set of 16 Unique Black Master Markers Micro-Pen Fineliner Pens with Micro Fine Point, Chisel, Brush & Calligraphy Tipped Nibs
Includes 8 micro nib tip sizes: 0.15mm (003), 0.20mm (005), 0.25mm (01), 0.30mm (02), 0.35mm (03), 0.45mm (05), 0.70mm (08) and 0.90mm (10). 3 Chisel tip sizes: 1mm, 2mm and 3mm. 3 Calligraphy tip sizes: XS, S, M. 2 Brush tip sizes: SS and L. Exceptional professional technical writing and drawing pens for artists, writers, illustrators, students and teachers that p

List Price: $ 19.96

Price: $ 13.96

Related Micro Marketing Products

Technorati Tags: , , , , , , , , , , , , , , , , , ,

 Page 1 of 483  1  2  3  4  5 » ...  Last »